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Bibliotecas e livrarias que são obras de arte (Parte II)

Após as monumentais bibliotecas (clique aqui) do Real Gabinete Português de Leitura, no Rio de Janeiro, do Clementinum,  em Praga e do Mosteiro Beneditino, na Áustria, é a vez de apresentar três magníficas livrarias.

Começo pela famosa Livraria Lello, localizada na cidade do Porto, em Portugal. Esta livraria ostenta uma estilo arquitetônico único, combinando neogótico com “art nouveau” e “art déco”.

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Livraria Lello, no Porto/Portugal. Escadaria principal.

A história da livraria Lello é também a história dos irmãos Lello. José e António Lello nasceram na Casa de Ramadas, freguesia de Fontes, em Santa Marta de Penaguião, filhos de um proprietário rural. José Lello é o primeiro a vir para o Porto. Homem de cultura, amante da leitura, dos livros e da música, sonha tornar-se livreiro, o que vem a acontecer com a abertura da primeira livraria e editora em 1881 com o seu cunhado. Após o falecimento deste, José Lello constitui a sociedade José Pinto de Sousa Lello & Irmão, com o irmão Antônio Lello, 9 anos mais novo.

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Livraria Lello.

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Livraria Lello. Fachada externa.

Os irmãos Lello estabelecem-se na Rua do Almada, desconhecendo ainda que o edifício que levaria o seu nome até ao próximo milênio se encontrava a poucos quarteirões. A atividade editorial da Lello e Irmãos era marcada por uma paixão pelos livros e pela cultura. Este amor à arte deu origem à criação de edições especiais, editadas em número reduzido, com a colaboração de artistas plásticos, como ilustradores e pintores, e com enorme cuidado gráfico.

É em 1894 que José Pinto de Sousa Lello compra a Livraria Chardron aos então donos, juntamente com todo o seu espólio. Embora estivesse já  em outras mãos, esta livraria tinha feito o seu nome pela mão do francês Ernesto Chardron. Este influente editor era um motor do setor, tendo publicado as primeiras edições de obras eternamente sonantes como as de Eça de Queirós ou Camilo Castelo Branco, por exemplo. Esta ambiciosa ampliação da Lello e Irmãos precisava de ser acompanhada de um quartel condizente com a renovada importância no setor. O edifício da Rua das Carmelitas é então moldado pela visão suntuosa do engenheiro Francisco Xavier Esteves. E é em 1906 a inauguração do espaço como hoje é conhecido.

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Livraria El Ateneo, em Buenos Aires/Argentina.

Em 2008, a livraria Ateneo Grand Splendid, uma das mais conhecidas de Buenos Aires, foi classificada pelo jornal britânico “The Guardian” como a segunda mais bonita do mundo.

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Livraria El Ateneo.

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Livraria El Ateneo

O edifício foi projetado pelos arquitetos Peró e Torres Armengol e aberto como um teatro em 1919. Palco de diversos espetáculos de tango feitos por artistas como Carlos Gardel e Roberto Firpo no passado, ela possui estilo eclético, com afrescos pintados pelo artista italiano Nazareno Orlandi, no teto, e cariátides esculpidas por Troiano Troiani. O teatro acabou sendo fechado e, em 2000 foi comprado pela cadeia de livrarias Yenni. Atualmente, a Ateneo Grand Splendid conta com 120 mil exemplares de livros, um bar e um café, localizados no palco do antigo teatro.

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Livraria Livraria Boekhandel Selexyz Dominicanen, em  Maastricht/Holanda

A livraria que foi considerada campeã na lista do “The Guardian” é a holandesa Boekhandel Selexyz Dominicanen, localizada na cidade de Maastricht. O nome pomposo faz jus ao ambiente: a livraria foi montada em 2007 dentro de uma exuberante igreja dominicana do século XII que há anos encontrava-se abandonada, servindo de depósito de bicicletas. O contraste da estrutura gótica da igreja com a decoração interior moderna dá um charme extra à ideia que, por si só, já atrai curiosos.

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Livraria Boekhandel Selexyz Dominicanen

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Livraria Boekhandel Selexyz Dominicanen

A igreja Dominicana original foi construída em 1294, cerca de 80 anos após São Domingos ter formado a Ordem dos Pregadores. O fechamento é geralmente creditado a Napoleão Bonaparte. Seu exército fechou o edifício durante a invasão de 1794, apesar do respeito de Napoleão e seu carisma com a religião católica, forma de manter a ordem social.

A igreja não caiu em ruínas, mas passou os próximos dois séculos abandonada e negligenciada. A imponente igreja dominicana do século XII foi restaurada, resultando num contraste incrível entre a estrutura gótica externa e a decoração interior moderna, um charme para poucos. Hoje, a estrutura tem uma estante de três andares completa, com passarelas, escadas e elevadores.

Quando os livros se mesclam à beleza e à imponência de um lugar, não há limite para a nossa imaginação e nem mesmo para a nossa felicidade.

 Autor: Catherine Beltrão

 

Bibliotecas e livrarias que são obras de arte (Parte I)

Estamos em plena Bienal Internacional do Livro. É a 18ª e acontece no Rio de Janeiro. É inevitável a lembrança das mais belas bibliotecas e livrarias que existem pelo mundo afora. O tema merece dois posts: um para as bibliotecas, outro para as livrarias. Três bibliotecas e três livrarias.

Começo pelas bibliotecas. E começo pela brasileira. O Real Gabinete Português de Leitura fica situado no Rio de Janeiro e é a associação mais antiga criada pelos portugueses do Brasil após a independência de 1822.

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Real Gabinente Português de Leitura, Rio de Janeiro/Brasil

Em 14 de Maio de 1837, um grupo de 43 emigrantes portugueses do Rio de Janeiro reuniu-se na casa do Dr. António José Coelho Lousada, na antiga rua Direita (hoje rua Primeiro de Março), nº 20, e resolveu criar uma biblioteca para ampliar os conhecimentos de seus sócios e dar oportunidade aos portugueses residentes na então capital do Império de ilustrar o seu espírito. É possível que os fundadores do “Gabinete” tenham sido inspirados pelo exemplo vindo da França, onde, logo seguir à revolução de 1789, começaram a aparecer as chamadas “boutiques à lire”, que nada mais eram do que lojas onde se emprestavam livros, por prazo certo, mediante o pagamento de uma determinada quantia.

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Real Gabinete Portuguêsde Leitura

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Real Gabinete Português de Leitura. Fachada externa.

Nas comemorações do tricentenário da morte de Camões (1880), a sede do Gabinete irá ocupar um terreno na antiga rua da Lampadosa.  A sua nova sede, construída em estilo neomanuelino e que foi inaugurada pela Princesa Isabel em 1887, guarda cerca de 350.000 volumes (milhares de obras raras).  Esse acervo maravilhoso está disponível a qualquer um do povo, pois o Real Gabinete é uma biblioteca pública, a partir de 1900.Em 1906, o rei D. Carlos atribui o título de “Real” ao Gabinete e tem lugar, no Salão dos Brasões, uma grande exposição de pinturas de José Malhôa, a cuja inauguração comparece o Presidente Rodrigues Alves.

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Biblioteca Clementinum, Praga/República Tcheca

Construída em 1722, o edifício da Biblioteca Clementinum é uma obra da arquitetura barroca de Praga, capital da República Tcheca. A Biblioteca abriga mais de 20.000 volumes sobre literatura, medicina e teologia. Por muito tempo foi considerada o maior colégio jesuíta do mundo. Seu teto é repleto de afrescos do pintor Jan Hiebl.

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Biblioteca Clementinum. Fachada externa.

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Biblioteca Clementinum.

Sua história remonta à existência de uma capela dedicada a São Clemente, no século 11. Um mosteiro dominicano foi fundado no período medieval, sendo depois transformado, em 1556, em um colégio jesuíta. Em 1622, os jesuítas transferiram a biblioteca da Charles University para o Klementinum, e o colégio foi absorvido pela Universidade em 1654. Os jesuítas permaneceram até 1773, quando o Klementinum foi estabelecido como um observatório, biblioteca e universidade  pela imperatriz Maria Theresa da Áustria.Além dos afrescos que decoram o teto, a biblioteca abriga retratos de santos jesuítas, antigos patronos da biblioteca e outras pessoas proeminentes e  também uma preciosa coleção de globos geográficos e relógios astronômicos, na sua maioria, feitos por padres jesuítas.

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Biblioteca do Mosteiro Beneditino, em Admont/Áustria.

A Biblioteca do Mosteiro Beneditino fica situada em Admont, na Áustria.

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Biblioteca do Mosteiro Beneditino.

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Biblioteca do Mosteiro Beneditino. Fachada externa.

Foi fundada em 1776 e está integrada num Mosteiro Beneditino.O salão biblioteca, construída em 1776 e  projetada pelo arquiteto Joseph Hueber, em estilo rococó, é de 70 metros de comprimento, 14 metros de largura e 13 metros de altura. É a maior biblioteca monástica do mundo. Possui mais de 180.000 obras, incluindo 1,4 mil manuscritos (o mais antigo do século 8) e os 530 incunábulos (livros impressos antes de 1500), além de volumes antigos e edições originais de obras raras. O teto é composto por sete cúpulas e  tem afrescos do artista austríaco Bartolomeo Altomonte (1657-1745), pintados entre 1775 e 1776, que celebram a ciência e a fé. A luz penetra  por 48 janelas e é refletida pelo esquema de cores originais de ouro e branco.

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Biblioteca do Mosteiro Beneditino. Sala de leitura.

Quando se eleva a leitura ao nível de uma prece, o homem chega perto de Deus.

Para ler a segunda parte deste texto, apresentando as livrarias Lello, na cidade do Porto, El Ateneo, em Buenos Aires e Boekhandel Selexyz Dominicanen, na Holanda, clique aqui.

 Autor: Catherine Beltrão

Mosaicos da devoção

Quando a técnica do mosaico é utilizada na decoração de capelas, o resultado pode ultrapassar qualquer limite imaginativo, seja nos trilhos da beleza, seja nos corrimões da fé.

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Interior da Capela do Mosaico Santa Cruz, em São Bento do Sapucaí/SP.
Vídeo.

É o caso das capelas de São Bento do Sapucaí, em São Paulo. Geralmente chamadas de capelinhas de Santa Cruz, foram realizadas em cumprimento de promessas.

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Fachada da Capela do Mosaico de Santa Cruz

Uma dessas construções, centenária, passou a ser chamada Capela do Mosaico, depois de revitalizada em 2008 pelos artistas plásticos Ângelo Milani e Cláudia Vilar que utilizaram vários cacos de diversos materiais, como fragmentos de estátuas de santos abandonados, contas variadas, pedaços de vidro e azulejos, compondo mosaicos coloridos, que enfeitam esta capela de forma peculiar e original.

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Detalhe da parte interna da Capela de Santa Cruz

A parte externa da capela ficou a cargo de Ângelo Millani, que reformou a parede frontal do prédio que ostentava uma grande rachadura, ornamentando depois a fachada com mosaicos compostos por formas abstratas.

Para a decoração do interior, o espaço recebeu o enriquecedor acréscimo de um conjunto de mosaicos criados por sua esposa Claudia Villar, concebidos originalmente para uma instalação realizada com sucesso por ela em 2005 na Capela do Morumbi, em São Paulo. Trata-se de 30 conjuntos retangulares, que ficam enfileirados em ambas as paredes laterais, assemelhando-se a uma surpreendente via-crúcis, plena de novos significados.

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Fachada lateral de uma capelinha em São Bento do Sapucaí.

Em volta dessas obras, foram criados novos nichos, com novos trabalhos, completando e preenchendo praticamente todos os espaços interiores. Além disso, foram também incorporadas pequenas peças produzidas por crianças em oficinas de criação. O efeito chega a ser perturbador, devido a grande concentração de informações visuais.

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Interior de uma capelinha em São Bento do Sapucaí.

Na mesma cidade de São Bento do Sapucaí, outra capelinha também foi construída por este casal, Ângelo e Cláudia, difundindo e estimulando cada vez mais a prática profissional do mosaico. É significativo o número de cidadãos que passaram a dedicar-se a essa modalidade artística, estendendo sua ação e difusão às cidades vizinhas.

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Capela do Mosaico, em Peruíbe/SP. Vídeo.

Também em São Paulo, na localidade de Peruíbe, encontramos a Capela do Mosaico, chamada de Capela de Nossa Senhora da Saúde, com o revestimento feito com mosaicos no estilo Opus Incertum, uma técnica romana de aplicação de mosaicos em alvenaria encontrada apenas na Itália.

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Painel interno da Capela do Mosaico.

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Detalhe de um painel interno da Capela do Mosaico.

Idealizados por frei Giorgio Callegari e pelo arquiteto italiano Roberto Corradini, o projeto e a construção da capela foram realizados, contando e mostrando a realidade nacional de imensos contrastes, resgatando questões como a miséria, a escravidão, o preconceito racial (brancos e negros) e de etnias.

Entre os trabalhos em mosaico, está a representação de uma imagem de Jesus feita em estilo bizantino. A perfeição dos trabalhos com mosaicos na Capela do Mosaico dá a impressão de estar olhando para uma pintura, por causa da perfeição dos encaixes entre as peças. A Capela do Mosaico é particular e pertence ao Recanto Colônia Veneza.

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Capela Nhá Chica, em São Lourenço/MG. Vídeo.

A Capela Nhá Chica, instalada na cidade de São Lourenço, Minas Gerais, é uma obra da arquitetura mineira.

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Figura externa da Capela Nhá Chica.

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Capela Nhá Chica.

Na década de 70, o carioca Marco Aurélio Dias, cansado da vida agitada da capital, abandonou a cidade do Rio de Janeiro e mudou-se para a pacata estância hidromineral de São Lourenço, em Minas Gerais, onde passou a levar vida solitária e separada do mundo. Na mesma época, começou a construir uma capela para o exercício diário da sua vida espiritual, com a intenção de fazer uma homenagem à Nhá Chica, serva de Deus que tanto ajudou e orou pelos pobres e doentes do Sul de Minas.

A Capela Nhá Chica hoje é aberta ao público e visitada pelos turistas, onde escutam a história da vida de Nhá Chica – Francisca Maria de Jesus -, do Padre Vitor e de outros personagens que marcaram a história religiosa da microrregião.

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Casa da Flor, em São Pedro da Aldeia/RJ. Vídeo.

Por último, uma casa: A Casa da Flor. Localizada em São Pedro da Aldeia, no Rio de Janeiro,  Gabriel Joaquim dos Santos - (1892-1985), simples trabalhador nas salinas, filho de uma índia e de um ex-escravo africano – realizou uma única e poética obra, o que o colocou no seleto grupo dos “construtores do imaginário”, a que pertence o grande Antoni Gaudi, de Barcelona, por exemplo.

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Interior da Casa da Flor

Sonhador, anteviu um dia, em 1923, enquanto dormia, a imagem de um enfeite que embelezava a sua casa de pau-a-pique.  Mas ele não dispunha de recursos para realizar o sonho. Que fazer ? Desistir do sonho, apagar da memória a visão tão bela que o inconsciente lhe trazia ? Surgiu em sua mente uma ideia, que de tão bizarra fez com que muitos parentes e vizinhos passassem a olhá-lo com estranheza no início da tarefa a que se dedicou até morrer, 63 anos depois: usar o lixo abandonado nas estradinhas da região, garimpar nesses montes de detritos – de que todos se afastam – cacos de cerâmica, de louça, de vidro, de ladrilhos e de toda uma série de objetos considerados imprestáveis para o uso, tais como velhos bibelôs, lâmpadas queimadas, conchas, pedrinhas, correntes, tampas de metal, manilhas, faróis de automóveis… Sabiamente, ele comentava que fez uma casa “do nada” .

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Casa da Flor.

Sempre inspirado por sonhos e devaneios, passou a criar flores, folhas, mosaicos, cachos de uvas, colunas e esculturas fantásticas, que ia fixando dentro e fora da casa. Inventava luminárias com lâmpadas queimadas; nichos para proteção de um osso de baleia e de alguns bibelôs mais bonitos; molduras para retratos fixados à parede; uma estante chamada por ele de “altar dos livros”; bancos e armários de alvenaria, sensualmente aplicados, cobertos de ladrilhos coloridos. Gravava ou moldava com cimento inscrições para assinalar os trabalhos mais significativos… Uma composição de riqueza plástica surpreendente, o barroco intuitivo criado por um artista marginal e solitário. Não havia materiais nobres: o imprestável, o estragado, o feio, o inútil, transformavam-se através de seus olhos visionários em matéria preciosa para a criação artística. Verdadeiro alquimista, explicava: “tudo caquinho transformado em beleza”.

Embora não tenha sido construída com o objetivo de ser uma casa de Deus, Gabriel atribuía a Deus a realização da sua obra, tendo sido   fruto de inspiração divina:

“… Eu não tive escola. Aprendi no ar, aprendi no vento… Isso não é de mim. Deus me deu essa inteligência, vêm aquelas coisas na memória e eu vou fazer tudo perfeitozinho conforme sonhei.”

Autor: Catherine Beltrão

Cassinos da serra: o que foi e o que poderia ter sido…

Datados do século XX, encontramos em cidades da região serrana do Rio de Janeiro dois belíssimos exemplos de construções que tinham como objetivo serem cassinos: o Cassino Quitandinha, em Petrópolis e o Cassino Cascata, em Nova Friburgo.

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Palácio Quitandinha, em Petrópolis

O Palácio Quitandinha foi construído a partir de 1941 pelo empreendedor mineiro Joaquim Rolla, para ser o maior cassino hotel da América do Sul.

Construído em 1944 por Joaquim Rolla e Antonnio Faustino para ser o maior hotel cassino da América Latina, seu estilo arquitetônico utiliza o rococó hollywoodiano, em sua parte interna  e o normando-francês, em sua parte externa.

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Restaurante Central, no Palácio Quitandinha. Anos 40.

Com 50 000 metros quadrados, sete andares com pé direito alto, mais a garagem no sub-solo, chega a atingir 10 andares nas torres; divididos em 440 apartamentos, 13 grandes salões com até 10 metros de altura que podem abrigar 10.000 pessoas simultaneamente. A cúpula do Salão Mauá, onde era localizado o cassino, é a 2ª maior do mundo, com 30 metros de altura e 50 metros de diâmetro.  Existe um Teatro Mecanizado, com três palcos giratórios com capacidade para 2.000 pessoas. e uma piscina térmica em formato de um piano de cauda, cuja profundidade chega a 5 metros, dotada de caldeiras que mantinham a água a uma temperatura de 30º C.

Na construção do lago em frente ao palácio, foi usada uma grande quantidade de areia da praia de Copacabana.

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Contagem do dinheiro arrecadado em uma noite no Cassino Quitandinha. Anos 40.

No seu auge, na década de 40, o Palácio Quitandinha chegou a empregar 1.500 pessoas. Foi neste cenário que durante um curto período de esplendor, o hotel teve grandes personalidades brasileiras e internacionais desfilando por suas dependências, como os políticos Getúlio Vargas, Juscelino Kubitschek e João Goulart… Entre os Artistas contratados para os shows em sua Boate, estiveram ali: Carmen Miranda, Grande Otelo, Oscarito, Emilinha Borba, Marlene, a vedete Virgínia Lane e outros ídolos do rádio como Orlando Silva, Carlos Galhardo, Cauby Peixoto, Mário Reis e Nelson Gonçalves.

Passaram também por seus salões o presidente americano Harry S. Truman e a mais controvertida primeira dama e líder política
argentina Evita Perón. Estrelas de Hollywood não faltavam: a atriz Lana Turner, que teve uma estada de dois meses na suíte presidencial, Errol Flynn, Marlene Dietrich, Orson Welles, Henry Fonda, Maurice Chevalier, Greta Garbo, Bing Crosby e até Walt Disney, em visita ao Brasil para o lançamento do personagem Zé Carioca…

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Vídeo sobre o Palácio Quitandinha

Em 30 de maio de 1946, o presidente Eurico Gaspar Dutra decretou a proibição do jogo no Brasil e o Quitandinha a partir da década de 1960 começou a ter dificuldades para sobreviver somente como hotel. Seu alto padrão exigia alto custo a seus hóspedes e sem o cassino começou a perder para concorrentes da época localizados mais próximos das classes mais abastadas e das maiores esferas de poder, como o Hotel Glória e o Copacabana Palace Hotel. Em 1962 o Palácio Quitandinha deixava de funcionar como hotel.

Nos dias de hoje, as áreas históricas e de lazer, que ficam no térreo, são administradas pelo Sesc desde 2007, e um condomínio residencial absorve os cinco andares acima.

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Colégio Nova Friburgo, projetado para ser o Cassino Cascata.

No início do século XX, Dermeval Barbosa Moreira, conhecido em Nova Friburgo como um médico caridoso, estranhamente resolve diversificar a sua atividade profissional. Juntamente com o seu cunhado, edificou no local denominado “Cascata” das Duas Pedras, um suntuoso prédio destinado a um hotel cassino, o Cassino Cascata. Construíra esse cassino, ao que parece, em sociedade com os mesmos empresários do Cassino da Pampulha, Cassino da Urca e do Quitandinha. No entanto, quando o prédio estava praticamente pronto, eis que o jogo de azar passa a ser proibido no país pelo Governo Dutra e o cassino virou um elefante branco. Desesperado, o médico procurou a equipe médica do Hospital de Tuberculosos de Corrêas, em Petrópolis, oferecendo o prédio do Cassino Cascata para a instalação de um hospital de tuberculosos. Houve interesse por parte daquele estabelecimento e as negociações começaram. Convém lembrar que Nova Friburgo já tinha sido o local escolhido pela Marinha do Brasil para a instalação do Sanatório Naval, estabelecimento destinado a cura de marinheiros tuberculosos. Mas será que a cidade comportaria dois hospitais para tuberculosos?

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Colégio Nova Friburgo. Anos 50.

Surge então um grupo liderado por Augusto Spinelli, e integrado por César Guinle, José Eugênio Müller, Tuffi El Jaick, entre outros, que se mobilizam para impedir a instalação de mais um sanatório, prejudicial à representação de Nova Friburgo como cidade salubre. Resolvem adquirir o prédio a fim de instalar no local um estabelecimento educacional. Criaram então a Empresa Educacional Fluminense, também denominada de Fundação Educacional, e adquiriram o Cassino Cascata de Dr. Dermeval com o propósito de instalar um ginásio. Acontece, entretanto, que a nova empresa, não dispondo de recursos financeiros à altura da iniciativa, e também não podendo retroceder na compra do edifício, sob pena de enorme prejuízo, toma a deliberação de procurar um novo proprietário para o prédio. A Empresa Educacional Fluminense entra em entendimentos com os clérigos do Colégio Anchieta a fim de prolongarem aquele estabelecimento até o Cascata, mas o valor para o empreendimento era superior aos recursos do Colégio Anchieta. Oferecem então ao Seminário de São José, no Rio de Janeiro, cujos clérigos vêm à Nova Friburgo estudar as possibilidades. Mas o Seminário também não pode arcar com o valor do imóvel. O tempo corria, os prejuízos cresciam, a hipoteca da Caixa Econômica vencendo juros, os fornecedores fazendo pressão e os compromissos com os construtores do Cascata avolumavam-se. A Empresa Educacional Fluminense resolve então abrir o ginásio por conta própria e assim iniciam ampla propaganda pelos grandes jornais do Rio de Janeiro, rádios, etc. No entanto, a empreitada é superior à sua condição econômica e a Empresa Educacional novamente volta ao ponto de partida no intuito de encontrar um comprador para o Cascata. Dessa vez urgia pressa ou uma catástrofe financeira desabaria sobre todos. Surge então a Fundação Getúlio Vargas. O fato do prefeito César Guinle ser amigo de Simões Lopes, presidente da Fundação Getúlio Vargas, teria provavelmente facilitado o acordo com essa instituição.

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Escadaria e lustre no prédio do Ginásio Nova Friburgo. Foto atual.

Inicia-se uma negociação que envolve a Prefeitura de Nova Friburgo, a Empresa Educacional Fluminense e a Fundação Getúlio Vargas. A Prefeitura precisaria desembolsar alguns milhões de cruzeiros para viabilizar a vinda de Fundação, o que acabou gerando protestos de alguns segmentos da sociedade friburguense. Porém, a mensagem do prefeito César Guinle foi aprovada pela Câmara Municipal, que conseguiu recursos para viabilizar a vinda da Fundação Getúlio Vargas para Nova Friburgo. Foi investido no Cascata um total de CR$6.000.000,00 (seis milhões de cruzeiros): a Prefeitura doou CR$2.000.000,00; uma subscrição realizada entre a população friburguense arrecadou CR$1.000.000,00 e foi feito um empréstimo junto à Caixa Econômica de CR$2.5000.000,00. A Fundação Getúlio Vargas entrou somente com CR$500.000,00. Cumpre destacar que particulares ainda doaram terrenos no Cascata para ampliação do colégio. Logo, o Cascata passou a abrigar, a partir de 1949, o Colégio Nova Friburgo sob a égide da Fundação Getúlio Vargas, cujo período letivo se inicia no ano seguinte. Ficou conhecido esse estabelecimento de ensino na cidade como “Fundação”. Tratava-se de um colégio de ensino secundário, em regime de internato, consistindo quase todos os internos do sexo masculino. Esse colégio foi considerado uma referência em todo país pelo alto nível de seu ensino e quadro docente. Era um colégio moderno, um colégio laboratório, onde nele seria aplicado um novo sistema de ensino: o estudo dirigido. Várias obras foram executadas. Adaptaram o prédio às salas de aula, construíram o primeiro ginásio esportivo da cidade, pista olímpica, piscina, auditório e um novo prédio para o “curso científico” com salas amplas, biblioteca, laboratórios de química e física, dormitórios e áreas de lazer. As atividades começavam às 8 horas e se estendiam até às 17. Professores de gabarito moravam em casas construídas em torno dos prédios do colégio.

Foi desativado em 1977, depois de 27 anos em atividade.

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Vídeo sobre o Colégio Nova Friburgo. Imagens antigas e atuais.

O local passou anos à deriva, até que em 1989, nas dependências do antigo GNF passou a funcionar o Instituto Politécnico do Rio de Janeiro (IPRJ). Em janeiro de 2011, o IPRJ teve seu campus interditado, em decorrência da tragédia climática que atingiu a região serrana do estado do Rio de Janeiro e, em particular, a cidade de Nova Friburgo. Hoje, o IPRJ foi transferido para a extinta fábrica Filó, na Vila Amélia.

O que poderia ter sido um dia o Cassino Cascata encontra-se, hoje, abandonado.

Cassino Quitandinha e Cassino Cascata. Duas construções majestosas. Ambiciosas. Duas histórias de resiliência.  Uma, com final feliz. Outra, não. Por quê?

Autor: Catherine Beltrão

Macieiras em flor

Aqui em Nova Friburgo, as cerejeiras começam a florir. É um espetáculo único e efêmero, para os que gostam do inverno e das montanhas. E aí, eu me lembro de outras flores, depositadas no eterno por artistas e poetas: as flores das macieiras!

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“Pommiers en fleurs”, de Georges Wambach. 1937

“Solau à moda antiga”, de Mário Quintana

Senhora, eu vos amo tanto
Que até por vosso marido
Me dá um certo quebranto…

Pois que tem que a gente inclua
No mesmo alastrante amor
Pessoa, animal ou cousa
Que seja lá o que for,
Só porque os banha o esplendor
Daquela a quem se ama tanto?
E, sendo desta maneira,
Não me culpeis, por favor,
Da chama que ardente abrasa,
O nome de vossa rua,
Vossa gente e vossa casa.

E vossa linda macieira
Que ainda ontem deu flor…

Claude Monet's Le Printemps.

“Le Printemps”, de Claude Monet. 1901

“Declaração de amor”, de Carlos Drummond de Andrade

Minha flor minha flor minha flor.
Minha prímula meu pelargônio meu gladíolo meu botão-de-ouro.
Minha peônia.
Minha cinerária minha calêndula minha boca-de-leão.
Minha gérbera.
Minha clívia.
Meu cimbídio.
Flor flor flor.
Floramarílis. floranêmona. florazálea. clematite minha.
Catléia delfínio estrelítzia.
Minha hortensegerânea.
Ah, meu nenúfar. rododendro e crisântemo e junquilho meus. meu ciclâmen. macieira-minha-do-japão.
Calceolária minha.
Daliabegônia minha. forsitiaíris tuliparrosa minhas.
Violeta… amor-mais-que-perfeito.
Minha urze. meu cravo-pessoal-de-defunto.
Minha corola sem cor e nome no chão de minha morte.

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“Macieira em flor no jardim”, de Edvard Munch.

“Poema duma macieira”, de Miguel Torga

Este é o poema duma macieira.
Quem quiser lê-lo,
Quem quiser vê-lo,
Venha olhá-lo daqui a tarde inteira.
Floriu assim pela primeira vez.
Deu-lhe um sol de noivado,
E toda a virgindade se desfez
Neste lirismo fecundado.
São dois braços abertos de brancura;
Mas em redor
Não há coisa mais pura,
Nem promessa maior.

 

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“Pommiers en fleurs près de Vetheuil”, de Claude Monet.

Ode à tristeza, de Pablo Neruda

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“Macieira em flor”, de Vincent van Gogh. 1888

Tristeza, escaravelho
de sete patas sujas,
ovo de teia de aranha,
rato descalabrado,
esqueleto de cadela:
Aqui não entras.
Não passas.
Anda-te.
Volta
ao Sul com teus guarda-chuvas,
volta
ao Norte com teus dentes de cobra.
Aqui vive um poeta.
A tristeza não pode
entrar por estas portas.
Pelas janelas
entra o ar do mundo,
as vermelhas rosas novas,
as bandeiras bordadas
do povo e de suas vitórias.
Não podes.
Aqui não entras.
Sacode
tuas asas de morcego,
eu pisarei as penas
que caem de teu manto,
eu varrerei os pedaços
de teu cadáver para
os quatro cantos do vento,
eu te torcerei o pescoço,
te costurarei os olhos,
te cortarei a mortalha
e enterrarei teus ossos roedores
debaixo da primavera de uma macieira.

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“Macieiras em flor”, de Alfred Sisley.

“A História da Macieira”, de Clarice Lispector

A macieira ficava a mesma durante todo o dia espiando as árvores frondosas que cresciam ao seu redor

Durante a noite a macieira olhava para o alto e via as estrelas no céu…e debaixo de sua pequenez, imaginava que as mesmas
estavam penduradas nos galhos das árvores ao seu redor e pensava – “por que razão Deus deu estrelas para essas árvores e
nada cresce nos meus galhos?”.

Ficava tristonha e esbravejava contra a sua sorte.

Pois que chega a primavera e os ganhos da macieira enchem-se de flores – lindas e perfumadas. As pessoas que frequentavam o
bosque correram para sua sombra, todos queriam descansar sob os galhos da pequena macieira. Ela, sempre querendo as
estrelas, desdenhava de suas flores.

_ Por que razão me destes flores ao invés de estrelas? Flores morrem e caem e eu não as terei mais em breve. Dizia a
macieira para Deus que respondia:

_ Não vês, então, macieira, que és a única que abriga pessoas sob teus galhos? Mas a pequena árvore não se satisfazia.

Chega o outono e um vento forte corta os ares do bosque. Macieira percebe que algo cai de seus galhos e olha para o chão.

_ Nossa, meu Deus, já não bastassem as flores que caíram e agora essas bolas vermelhas???!!!

Deus olha risonho para a pequena e petulante arvorezinha e pergunta:

_ Não vês, minha querida, o presente que te dei? Olha com atenção para este que partiu-se em dois.

Macieira, então, olha para a maçã que partira-se em dois e percebe, encantada, a pequena estrela escondida dentro dela.

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“Macieira em flor”, de Claude Monet.

“Mulheres são como maçãs”, de Machado de Assis

As melhores mulheres pertencem aos homens mais atrevidos,
mulheres são como maçãs em árvores.
As melhores estão no topo,
os homens não querem alcançar essas boas,
porque eles têm medo de cair e se machucar.
Preferem pegar as maçãs mais podres que ficam no chão,
que não são boas como as do topo,
mas são fáceis de se conseguir.
Assim as maçãs no topo pensam que algo está errado com elas, quando na verdade,
ELES estão errados. Elas têm que esperar um pouco para o homem certo chegar…
Aquele que é valente o bastante para escalar até o topo da árvore.

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“Macieira em flor”, de Piet Mondrian. 1912

A flor da macieira não é só beleza, não é só perfume, não é só ternura. É também a presença de Monet e de Neruda. De Van Gogh e de Machado. De Munch e de Torga. De Sisley e de Quintana. De Wambach e de Clarice. De Mondrian e de Drummond.

Autor: Catherine Beltrão  

Museu da Humanidade, o passado que sensibiliza

Em 2009, conheci um museu: o Museu da Humanidade. A impressão que tive na época me marca até hoje: um castelo fantástico, em estilo oriental, com milhares de artefatos antigos, muito bem organizados em inúmeras salas e aposentos formando um labirinto de mistérios a desvendar. E tudo aquilo que via tinha sido idealizado por um só homem: Claudio Prado de Mello.

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O Instituto de Pesquisa Histórica e Arqueológica do Rio de Janeiro – IPHARJ – foi criado em 1990 e em 2002, nascia o Museu da Humanidade, uma instituição privada ligada ao Instituto, onde são guardados mais de 90 mil itens arqueológicos, entre estátuas, vidros, joias, armas, tecidos, roupas, objetos em metais, madeira e pedra, entre muitos outros, do Brasil e do mundo. Peças que vão dos primórdios da História até o século XIX. Na biblioteca, mais de 40 mil títulos.

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Claudio Prado de Mello com uma turma de crianças, em uma oficina de escavação

IPHARJ2O museu é uma criação do arqueólogo Claudio Prado de Mello, que também preside o IPHARJ. A construção não conseguiu patrocínio até hoje e os recursos são advindos das contribuições dos fundadores do instituto.

Com uma área total de 2.500 metros quadrados, o Museu da Humanidade é um castelo construído em estilo Islâmico (Mamalik) e possui quatro andares distribuídos em 14 metros de altura. O andar subterrâneo ainda está em implantação, onde está sendo montada uma galeria de arqueologia funerária.  A ideia é recriar um setor subterrâneo da forma que só conseguimos ver na velha Europa e no Mundo Oriental, trazendo para o público brasileiro a oportunidade de visitar tumbas egípcias,  pré-colombianas, romanas e inusitadamente a recriação de uma tumba de Palmira que foi implodida pelo Estado Islâmico em 2015. A propósito, cripta é sempre o lugar mais introspectivo e misterioso de um monumento, como acontece com as criptas da Catedral de Notre Dame e do imponente Panteão, ambas localizadas em Paris. Para quem conhece, sabe de que estou falando…

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No térreo, funciona a pleno vapor uma área de eventos e pesquisa, além de uma sala de exposições. Atualmente, há uma síntese do que é o museu, com peças como estátuas de calcário medievais, mármores romanos, itens de madeira asiática, instrumentos de tortura da época da escravidão e cerâmicas egípcia e grega.

IPHARJ6IPHARJ10O segundo andar, também ainda sendo implantado, tem 23 salas, cada uma com o objetivo de mostrar uma época da sociedade humana e ainda antes, desde a formação do planeta Terra até o século XIX, passando por Pré-História, Egito, Grécia, Roma, Bizâncio e mundo islâmico.

No terceiro e último andar, o museu reúne uma área de pesquisa, com dois laboratórios — um de lavagem e higienização das peças, outro de análise —, para averiguar os itens que são encontrados em escavações pelo país. Também nessa área, existe um jardim suspenso e quatro salas de reserva técnica, onde são depositados os materiais já analisados.

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As peças do museu vindas de fora do país são dos cinco continentes e foram compradas em leilões. Já as do Brasil foram adquiridas em escavações realizadas pelo IPHARJ. Elas pertencem à União, e nós ganhamos, em julho deste ano, o reconhecimento do IPHAN (Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional), ou seja, nos tornamos reserva oficial do Estado brasileiro. Para conseguirmos isso, seguimos uma série de determinações oficiais”, disse Claudio Prado em 2014.

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O Museu da Humanidade também dispõe de um bistrô – o Corniche – que disponibiliza algumas das mais finas iguarias de quatro continentes.

 

Mais informações:

Endereço: Av. Chrisóstomo Pimentel de Oliveira, 443 B 1, Anchieta
Rio de Janeiro, RJ
www.ipharj.com.br
Face: https://www.facebook.com/Museu-da-Humanidade-Ipharj-1681895928797221/
e-mail: pradodemello@hotmail.com

Autor: Catherine Beltrão

Casas de Vincent van Gogh

Nos seus 37 anos de vida, Vincent van Gogh (1853-1890) habitou 37 endereços. Estes números fazem do artista um nômade. Casas, albergues, pousadas, não importa, ele precisava sempre mudar de ares, mudar de cheiros, mudar de luzes.

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“Casa amarela”. 1888. Uma das poucas obras em que Van Gogh representou a casa onde morava.

Associamos Van Gogh a girassóis, campos de trigo e autorretratos. Algumas flores… talvez. E a uma casa: a famosa “Casa amarela“. Mas ele pintou muitas casas!

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“Casa branca”. 1890

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“Casas em Auvers-sur-Oise”. 1890

Resolvi apresentar algumas das casas pintadas por Van Gogh, aquelas que ele resolveu eternizar em telas, tendo sido por ele habitadas ou não.

Van Gogh nasceu na pequena vila de Zundert, na Holanda. Em 1869 foi morar na cidade de Haia, e em 1872 em Bruxelas, na Bélgica. Dois anos depois, vai para Londres. Em 1875, encontra-se em Paris. Mas no ano seguinte, volta para a Inglaterra. Depois, volta a morar com os pais, em Etten, Holanda e em 1877, em Amsterdam. Depois, volta para a Bélgica.

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“Casas de palha”. 1890

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“Casas em Auvers”. 1890

Em 1880, ele está em Bruxelas e escreve para o irmão “Eu não quero pintar quadros, eu quero pintar a vida”. Também ficou em Cuesmes, perto de Bruxelas. Foi nessa época que decidiu tornar-se um artista. Faz muitos desenhos, usa carvão e pastel. Neste mesmo ano, viajou para Bruxelas. Em 1881, mais um tempo em Etten e outro em Haia. Em julho de 1882 pinta seu primeiro quadro a óleo. No ano seguinte volta para a casa dos pais, onde passa os dias lendo e pintando.

Em 1883, foi para Drente, na Holanda e depois Nuenen, para morar novamente com os pais, focando o desenho e a pintura.

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“Igreja em Auvers”. 1890.  Sobre esta obra, escreveu Van Gogh: “Tenho um quadro maior da igreja, com um efeito em que a construção parece ser violeta, contra um céu azul escuro, cobalto puro; as janelas parecem manchas de azul marinho, o telhado é violeta e, em uma parte, alaranjado…”

Em 1885, Van Gogh começou a trabalhar no que é considerada a sua primeira obra-prima, “Comedores da Batata“. Van Gogh decidiu se mudar para Paris, em 1886, e ficou na casa de seu irmão Theo.

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“Casas em fazenda perto de Auvers”. 1890

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“Casas em Auvers”. 1890

Em fevereiro de 1888, aconselhado pelo amigo Toulouse-Lautrec, Van Gogh embarcou em um trem para o sul da França, à busca de luz. Desembarcou em Arles e foi morar na que depois se tornou a célebre “Casa amarela“, junto com seu amigo Paul Gauguin.

Em 1890, Van Gogh foi para Auvers, morar no Albergue Ravoux. Por uma diária de 3F50, Van Gogh ocupou um quarto minúsculo no sótão, de apenas 7 metros quadrados e uma claraboia no teto.

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“Albergue Ravoux”. Foto c. 1890, com a família Ravoux. Van Gogh não chegou a pintar esta casa…

A propósito: o quarto que ocupou em sua última morada nunca mais foi alugado por ninguém…

 Autor: Catherine Beltrão

As ilusões óticas de Oleg Shuplyak

Quando pesquisamos sobre ilusão de ótica no google, encontramos o seguinte texto: “A interpretação do que vemos no mundo exterior é uma tarefa muito complexa. Já se descobriram mais de 30 áreas diferentes no cérebro usadas para o processamento da visão. Umas parecem corresponder ao movimento, outras à cor, outras à profundidade (distância) e mesmo à direção de um contorno. E o nosso sistema visual e o nosso cérebro tornam as coisas mais simples do que aquilo que elas são na realidade. E é essa simplificação, que nos permite uma apreensão mais rápida (ainda que imperfeita) da «realidade exterior», que dá origem às ilusões de óptica.

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“Verão”, de Giuseppe Arcimboldo

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“Céu e água”, de M.C. Escher. 1938

Talvez um dos primeiros artistas que tenha usado este conceito tenha sido Giuseppe Arcimboldo (1527-1593). Suas obras principais incluem a série “As quatro estações“, onde usou, pela primeira vez, imagens da natureza, tais como frutas, verduras e flores, para compor fisionomias humanas. A sua obra haveria de influenciar, mais tarde no século XX, os pintores surrealistas, sendo redescoberto por Salvador Dalí.

Mas, sem dúvida alguma, foi M. C.Escher (1898-1971) quem mais fez uso do conceito de ilusionamento ótico para compor suas obras, com explorações do infinito e metamorfoses – padrões geométricos entrecruzados que se transformam gradualmente para formas completamente diferentes. Ele também era conhecido pela execução de transformações geométricas (isometrias) nas suas obras.

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“Autorretrato”, de Oleg Shuplyak

Mas quem conhece Oleg Shuplyak, um artista ucraniano nascido em 1967, que usa ilusões de ótica para criar várias obras em uma só?

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De quem são os rostos acima representados?

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E esse?

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Esse todo mundo sabe…

Oleg foi estudante de Arquitetura. No curso, aprendeu a criar imagens dentro de outras imagens.   Em seu tempo livre, ele começou a pintar paisagens, desenhando rostos de pessoas famosas dentro das pinturas.

O artista escolheu personagens como Salvador Dali, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Charles Darwin, Michelangelo, Leonardo da Vinci, John Lenon, William Shakespeare, entre muitos outros.

Em algumas de suas pinturas, a imagem do rosto está tão visível que a primeira imagem se  perde. Fica difícil para o espectador lembrar-se dessa primeira imagem… Então ele a procura, acaba encontrando, e é a segunda imagem que se perde. E assim, sucessivamente… É um verdadeiro jogo de pique-esconde de imagens em nossas mentes!

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Mais dois desafios…

Fui procurar em nossos poetas uma ilusão de ótica. Talvez aquele que mais brinca com as palavras a ponto de nos iludir e nos transviar seja Manoel de Barros. Senão, vejamos “O poeta“:

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Esse não é difícil…

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E esse, alguém sabe?

Vão dizer que não existo propriamente dito.
Que sou um ente de sílabas.
Vão dizer que eu tenho vocação pra ninguém.
Meu pai costumava me alertar:
Quem acha bonito e pode passar a vida a ouvir o som
das palavras
Ou é ninguém ou zoró.
Eu teria 13 anos.
De tarde fui olhar a Cordilheira dos Andes que
se perdia nos longes da Bolívia
E veio uma iluminura em mim.
Foi a primeira iluminura.
Daí botei meu primeiro verso:
Aquele morro bem que entorta a bunda da paisagem.
Mostrei a obra pra minha mãe.
A mãe falou:
Agora você vai ter que assumir as suas
irresponsabilidades.
Eu assumi: entrei no mundo das imagens.

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Esse é um pequeno barco na imensidão do “deep blue”…

Ilusão de ótica. Pinturas duplas. Imagens ocultas. Vários nomes para um só sentimento: deslumbramento…

Autor: Catherine Beltrão

Completa 50 anos o disco Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band

Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band, o mais importante disco lançado pelos Beatles, completa 50 anos. Conheça um pouquinho (acredite, apenas um pouquinho mesmo se tratando de uma mega produção) desse clássico que foi um marco da cultura pop do século XX.

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Os Beatles foram de tudo. De mocinhos exemplares a heróis da contracultura. De marqueteiros de primeira a mega rockstars (e foram também tudo o que esse título carrega nas entrelinhas). A história da música, sem sombra de dúvidas, pode ser dividida em Antes dos Beatles e Depois dos Beatles.

Após rodar o mundo propagando a Beatlemania e fazendo iêiêiê, sentiram-se maduros e seguros para mudar a temática das suas canções. Dilemas juvenis e dramas sentimentais da primeira fase da banda ainda tocavam nas rádios e faziam todas as adolescentes suspirarem profundamente. Mas eles queriam mais. Após o mítico encontro com Bob Dylan e a descoberta da maconha e do LSD, eles estavam prontos para mudar a estética de suas canções em todos os sentidos.

Mergulhados na lisergia sessentista, lançaram Rubber Soul e Revolver.

George incorporava a musicalidade indiana. Ringo, que anos antes ameaçara sair da banda alegando pouca atenção, se  firmava cada vez mais como um baterista criativo e um esporádico vocalista carismático. John e Paul já soltavam farpas, ainda que bem discretamente tentando impor suas lideranças. Estavam ali naquele momento esbanjando criatividade no que foi considerada por muitos críticos a melhor fase da dupla, mostrando o ápice de um amadurecimento poético e literário.

Mas o mundo não esperava por um furacão colorido chamado Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band.

Se o primeiro álbum da banda, Please Please Me, levou apenas um único dia para ficar pronto, Sgt. Peppers exigiu um esquema hollywoodiano de superprodução com 400 horas de estúdio e o custo de 100 mil dólares – cifras incomuns para um disco de rock. Mas os números acima são apenas reflexos de toda a loucura criativa que a banda queria apresentar nesse novo trabalho. Orquestras enormes, adições de sons dos mais diversos animais, acordes audíveis apenas para ouvidos caninos, instrumentos incomuns, solos tocados ao contrário (o que já haviam experimentado em Revolver) e mensagens subliminares que tentavam dar credibilidade à lenda da morte de Paul McCartney. Tudo isso sob a clássica capa dos quatro músicos fardados como se pertencessem a uma fanfarra vitoriana psicodélica. Esses elementos e muitos outros deram a Sgt Peppers inúmeros adjetivos, que iam desde o primeiro disco de rock progressivo da história até o melhor disco já lançado e mais importante trabalho da cultura pop.

Faixas principais

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A faixa título abre o disco, e é a apresentação do personagem fictício ‘Sargento Pimenta’ que comandava a ‘Banda Clube dos Corações Solitários’ e é logo emendada com With a Little Help From My Friends cantada por Ringo e seu refrão de duplo sentido “I get high with a little help from my friends”, algo como “Eu chego mais alto com uma ajudinha dos meus amigos” ou “Eu fico chapado com uma ajudinha dos meus amigos”. Essa canção teve seu auge na voz de Joe Cocker, considerado por muitos o melhor cover de uma canção dos Beatles já criada.

Beatles_LucyintheskyLucy In the Sky with Diamonds foi chamada de maior canção já feita sobre o LSD, embora John Lennon negasse o fato veementemente. Segundo John, a música foi composta a partir de um desenho feito por seu filho Julian, que retratava sua amiguinha de escola Lucy flutuando em um céu onde as estrelinhas pareciam diamantes. A referência com as letras LSD era uma mera coincidência. Os esforços para explicar esse fato, no entanto, foram em vão e a canção chegou a ser proibida pela BBC.

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Outra faixa que foi relacionada com uso de drogas – dessa vez a heroína – foi Fixing a Hole. No primeiro verso da canção, Paul canta “Estou fechando um buraco por onde a chuva entra”. Paul também negou a acusação alegando que a música foi feita em referência a Jesus Cristo.

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O disco tem um desfecho apoteótico com A Day In The Life, considerada pela revista Rolling Stone a melhor canção dos
Beatles. A canção é uma junção de duas composições distintas escritas uma por John e outra por Paul que foram agregadas
de forma perfeita. Foi mais uma canção banida das rádios inglesas devido a referências ao uso de LSD e maconha.

Beatles_capaBeatles_capasketchO conceito inicial da capa foi sugerido por Paul. A ideia era fazer a banda do Sargento Pimenta recebendo um título ou um troféu das mãos do prefeito na praça de uma cidade imaginária. Paul conta suas ideias para Robert Frazer, que o leva para conhecer Peter Blake, importante artista do movimento Pop Art. Peter fez então um sketch mudando ligeiramente o conceito de Paul e novas mudanças seriam feitas até se tornar a capa que conhecemos hoje.

Os quatro Beatles escolheram as pessoas que iriam compor o cenário. Artistas de cinema e da TV, músicos, escritores,  pensadores, filósofos, líderes políticos, gurus hindus, e até a polêmica escolha de Jesus Cristo e Adolph Hitler.

Sabe-se que a imagem que Hitler foi retirada do corte final, e talvez Jesus tenha ficado escondido entre os demais para evitar polêmicas maiores. John já havia dado a fatídica declaração de que os Beatles eram maiores que Jesus Cristo e queriam evitar mais problemas. Na parte inferior, uma espécie de canteiro com o nome da banda feito com flores vermelhas e a adição de alguns pequenos adornos como gnomos de jardim, troféus, bustos, imagens religiosas, uma
televisão, etc.

Beatles_Hitler

A lenda da morte de Paul em um trágico acidente de carro em 1966 já estava circulando. Na história, um sósia entrara para a banda encarnando o baixista, tudo porque a Beatlemania estava no auge e os trabalhos da banda não poderiam ser abruptamente interrompidos.

Na música A Day In The Life, John começa cantando “Ele estourou sua cabeça em um carro/ Não reparou que as luzes do semáforo tinham mudado”. Boatos em torno da história diziam que Paul havia sido decapitado no acidente. Outra mensagem escondida em uma canção é no final de Strawberry Fields Forever, onde ouvimos claramente John Lennon dizendo de forma veemente “I buried Paul” (“Eu enterrei o Paul”). E, claro, na capa do disco muitas mensagens estão escondidas também.

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O fato é que para muitos todo o conceito da capa não passa do funeral do próprio Paul McCartney.

Beatles_baixodefloresBeatles_bumbocentralEmbaixo do nome da banda está o baixo Hofner canhoto de Paul feito com flores amarelas, possuindo apenas três cordas e não mais quatro. À direita do quarteto com roupas coloridas estão os quatro Beatles de terno cinza feitos em cera, todos com olhares de pesar. Se a história toda aconteceu em 1966, era com essa roupa que eles se apresentavam. Acima da cabeça do Paul fardado de azul, aparece a mão do comediante Issy Bonn, acenando como se estivesse se despedindo ou abençoando. As palavras Lonely Hearts do bumbo central ao serem espelhadas, formam o jogo de letras “IONEIX HE<>DIE”, que ao serem separadas formam “I ONE IX HE <> DIE, sugerindo a data 11/9, ou November 9, 1966, data em que Paul supostamente teria morrido. Depois da data, continuam as palavras HE DIE, e no centro uma espécie de seta aponta para o beatle de azul. E no encarte do disco, existe uma foto onde a banda olha para frente e apenas Paul aparece de costas.

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Iniciamos o texto dizendo que os Beatles foram marqueteiros de primeira. A história gerou tanto fascínio na época que eles continuariam aplicando mensagens acerca da morte de Paul nas capas dos próximos discos, em vídeo clipes e muito mais. Traduzindo em termos comerciais, eram mais discos vendidos, mais holofotes e mais dinheiro.

Segundo o produtor da banda George Martin, os Beatles em Sgt. Peppers nunca estiveram tentando fazer arte conceitual ou
procurando uma integridade musical. Eles só queriam fazer algo diferente. E fizeram!

Nenhuma outra banda até hoje conseguiu fazer o que os Beatles fizeram em apenas sete anos de atividade. Eles mostraram que uma banda de rock pode romper barreiras sonoras, comportamentais e ideológicas, deixar uma pulga atrás da orelha de muita gente, virar teses de mestrado e vender como água – mesmo depois de quase meio século do fim das atividades.

Eles começaram gritando HELP! e terminaram dizendo LET IT BE. O interim dessa trajetória linda vai ficar para sempre na memória dos mais velhos, na imaginação dos mais jovens, na estante de trilhões de pessoas e na linha cronológica não apenas da cultura pop e do Rock n’ Roll, mas de toda a humanidade.

Chico Joy

As mães de Mary Cassatt descansando nos versos de Drummond, Vinicius e Quintana

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Mary Cassatt, “Autorretrato”, 1880

Mary Cassatt (1844-1926) foi uma pintora nascida na Pensilvânia, Estados Unidos. Considerada uma grande pintora impressionista, Mary passou boa parte da vida adulta na França, tendo sido grande amiga de Edgar Degas .

Seus trabalhos costumam ser sobre o cotidiano de mulheres, com ênfase nos momentos íntimos de mães e seus filhos. É uma das “les trois grandes dames” (três grandes damas) do impressionismo, junto de Marie Bracquemond e Berthe Morisot.

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“Mãe e filho”. 1897

Para sempre“, de Carlos Drummond de Andrade

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“A mãe costurando”

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“Maternidade”

Por que Deus permite
que as mães vão-se embora?
Mãe não tem limite,
é tempo sem hora,
luz que não apaga
quando sopra o vento
e chuva desaba,
veludo escondido
na pele enrugada,
água pura, ar puro,
puro pensamento.

Morrer acontece
com o que é breve e passa
sem deixar vestígio.
Mãe, na sua graça,
é eternidade.
Por que Deus se lembra
- mistério profundo -
de tirá-la um dia?
Fosse eu Rei do Mundo,
baixava uma lei:
Mãe não morre nunca,
mãe ficará sempre
junto de seu filho
e ele, velho embora,
será pequenino
feito grão de milho.

Mãe”, de Mário Quintana

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“Mãe e criança”. 1900

Mãe… São três letras apenas
As desse nome bendito:
Também o Céu tem três letras…
E nelas cabe o infinito.
Para louvar nossa mãe,
Todo o bem que se disse
Nunca há de ser tão grande
Como o bem que ela nos quer…
Palavra tão pequenina,
Bem sabem os lábios meus
Que és do tamanho do Céu
E apenas menor que Deus!

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“Mãe penteando o cabelo de sua filha”. 1898

Minha mãe“, de Vinicius de Moraes

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“O banho da criança”. 1880

Minha mãe, minha mãe, eu tenho medo
 Tenho medo da vida, minha mãe.
 Canta a doce cantiga que cantavas
 Quando eu corria doido ao teu regaço
 Com medo dos fantasmas do telhado.
 Nina o meu sono cheio de inquietude
 Batendo de levinho no meu braço
 Que estou com muito medo, minha mãe.
 Repousa a luz amiga dos teus olhos
 Nos meus olhos sem luz e sem repouso
 Dize à dor que me espera eternamente
 Para ir embora. Expulsa a angústia imensa
 Do meu ser que não quer e que não pode
 Dá-me um beijo na fronte dolorida
 Que ela arde de febre, minha mãe.

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“Na janela”. 1889

Aninha-me em teu colo como outrora
 Dize-me bem baixo assim: — Filho, não temas
 Dorme em sossego, que tua mãe não dorme.
 Dorme. Os que de há muito te esperavam
 Cansados já se foram para longe.
 Perto de ti está tua mãezinha
 Teu irmão, que o estudo adormeceu
 Tuas irmãs pisando de levinho
 Para não despertar o sono teu.
 Dorme, meu filho, dorme no meu peito
 Sonha a felicidade. Velo eu.

Minha mãe, minha mãe, eu tenho medo
 Me apavora a renúncia. Dize que eu fique
 Dize que eu parta, ó mãe, para a saudade.
 Afugenta este espaço que me prende
 Afugenta o infinito que me chama
 Que eu estou com muito medo, minha mãe.

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“Mãe Jeanne amamentando o seu filho”. 1907-8

Ninguém melhor do que Mary Cassatt soube representar a intimidade maternal. E deitar algumas de suas obras nos versos de Drummond, Vinicius e Quintana, faz este berço ser feito de sonho, de poesia e de infinitos.

 Autor: Catherine Beltrão